经过多年沉浮，中国现在已经有了全球最好的观影群体。
他们虽然沉默，但是明辨是非。
好就是好，不好就是不好。
不会因为你吹的天花乱坠，就去捧一坨垃圾。
电影市场崩盘不是因为观众，而是因为垃圾导演太多了。
是这群垃圾阻止了观众去影院。
《南京照相馆》，跟流浪地球，哪吒等等一脉相承。
虽然题材不同，受众不同，立意不同，性质不同。
但它有有一个共同点：
真诚。
它们不把观众当沙比看。
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谈下我自己的观影感受。
非常神奇的一点。
影院里小朋友很多。
家长们并没有什么小朋友不能见血腥的担忧。
这个影片我个人可以排到南京大屠杀影片的第一位，超越《黑太阳》。
原因有三：
1.冰山下的滔天血海。
包括黑太阳在内的影片，都是将影片的重点放在日军的残忍上，把屠杀、强奸之类的过程细之又细的呈现在影片中。
《南京照相馆》则选择了惊人的克制，并未在具体的惨案细节上过多着墨。
杀人比赛的大量头颅，满城的尸体，被扛到巷子里的女人，被奸杀的金老板大女儿，都只有一个半秒不到的镜头，如同背景中无法忽视却又模糊的血色印记。
它们被置于画框之外，却以一种不容置疑的、冰冷而客观的姿态宣告：这一切，真实地发生了。
影片并未渲染感官刺激，它只是平静地、血淋淋地展示一个无法更改的残酷事实。
它像一个冰山，只给你呈现了海面上的故事。
更为庞大、更为黑暗的细节，深深沉入我们想象的海渊。
正是这种留白与克制，迫使我们动用最深刻的心智去填补、去感受。
从而在灵魂深处烙下难以磨灭的印记。
唯有想象，才最锥心刺骨。
2. 细节里的人物弧光。
《南京照相馆》的魅力，更在于它塑造了一群有血有肉的“人”，而非推动剧情的符号。
它塑造了一群扎根于泥土、跃动于刀尖的立体灵魂。
无论正邪，角色首先是一个个鲜活复杂的生命个体。
什么是“人”？
有喜，有怒，有哀，有乐，有自私，有大义，有信仰，有欲望。
他们的每一个选择、每一次反应，都根植于人性本身，而非服务于情节的机械设定。
一个底层的邮差，要如何才能树立把照片传递出去的信念？
是恐惧的淬炼，是牵挂的羁绊。
让阿昌和老金一家联系起来，让阿昌和军人联系起来，让阿昌和南京城千千万万的百姓联系起来。
正是在这层层叠叠的联系与挣扎中，阿昌最终迸发出拒绝成为侵略者走狗的勇气。
这个人物，真实地“站”在了我们面前。
反派伊藤的形象，堪称近年来国产电影中罕见的深度刻画。
一个清秀的军二代，人畜无害的摄影师，如何蜕变为伪善冷酷的法西斯爪牙？
让他懒惰，让他傲慢，让他贪婪。
因为懒惰，他把所有的照片冲洗工作交给了仆人，导致他不得不依靠阿昌。
因为傲慢，让他视中国人为可随意驱使的牲畜，大意地将致命底片留在了阿昌手中。
因为贪婪，他披上“仁义礼智信”的虚伪外衣，实则吃干抹净、寸利必争。
因为贪婪，他妄图一鸣惊人，把一切功劳收归自己，却正是这些功劳把自己拖入地狱。
在我们这么多年的电影里，你很难找到一名像伊藤这样的反派。
将日本侵略者性格中深入骨髓的怯懦、伪善与奸诈，诠释得淋漓尽致。
历史影片就应该是这样的。
我们作为受害者一方，之前的影片为什么反思来反思去的？
为什么要考虑侵略者的苦衷？
侵略者就是侵略者，美化他们有什么意义？
这个影片把路子走对了。
3.底片外的无声骸骨。
最后阿昌的翻盘手段，成了这个片子最大的燃点。
每一张底片，都是南京城那些普普通通的人。
他们的曾经，他们的美好。
他们在照相馆的笑容，他们对未来的希望。
在一张张底片中，被撕成碎片。
最终化为了墙头的尸体，床上的慰安妇，精神失常的疯子，河里的枯骨。
物是人非的冲击，让这个片子不再是单纯的电影，而是对那个事件最真实的控诉。
家破人亡，不是历史书上的一个词语，而是我们脸上的热泪，心头的热血。
他们就是我们，是我们民族的悲歌。
《南京照相馆》，一个邮差，一个摄影师，一个戏子，一个警察。
他们是南京城里普普通通的人。
但他们又是连接着大街小巷，形形色色的人们的载体。
他们是平凡如尘埃。
但正是他们拼死的努力，最终揭开了南京大屠杀的真相。
我们的国家，正是有着这样无数普普通通，又前赴后继的人，撑住了悲惨年代不屈的脊梁。
忘记历史等于背叛。
谨以此文，致敬所有在黑暗中守护微光、以血肉之躯撑起民族尊严的先烈。
勿忘国耻，警钟长鸣！
走出影院，阳光明媚。
致敬和平。
