那时候，只是觉得《南京！南京！》看完心里特别难受，但觉得能有人站出来拍这种题材，已经很不错了。
作为涉世未深的大学生，对陆川还刮目相看过。
所以说，人还是得有阅历，现在回头让我回忆《南京！南京！》，就真的难评了。
不能说看完《南京照相馆》就去否定《南京！南京！》，而是说无论从表达深意，还是电影技法来看，申奥都比陆川技高一筹。
1.镜头可以不对准裸露的画面
《南京！南京！》让人看着太难受的直接一点，就是电影里镜头对准了受难者女性，老生常谈的男凝视角出现在抗日题材里，是不合适的。
但这不是陆川一个人的问题，张艺谋的《金陵十三钗》也是如此。
只能说在早十几年，男性导演观影的手法。他们用一种简单粗暴令人难过的画面，表达战争的残酷，体现侵略者的兽行，但抗战题材适合这么拍吗？
《南京照相馆》给出了答案。
高叶饰演的林毓秀从照相馆被叫去给日本人唱戏，回来时妆容凌乱，看这个画面观众都知道发生了什么，但导演没有直接去拍摄裸露的画面。
可以说，这部电影裸露镜头近乎是0。这在之前的大导演们的抗战作品里是几乎不存在的。
这样拍摄的技法也体现出申奥作为导演的叙事水平，导演通过镜头的调度引导观众理解导演想要表达的内容。简单粗暴的画面是一种方式，点到为止也是一种方式。
2.抗战题材可以不依赖大场面叠加
《南京照相馆》另一个体现申奥导演功力的地方就是他选择主要在一个非常有限的空间里表达战争的残酷、鬼子的残暴、命悬一线的紧张感。
相比于以往的抗战作品，动辄特效技术模拟战争画面，然后宣传电影耗费多少亿、耗时多少年才实现一部巨制。
比如管虎《八佰》，搭景搭棚、数字摄像、大量战争场面，总投资5.5亿。据资料显示，《南京照相馆》投资1.6亿左右，票房上映5天破5亿，与《八佰》的投资总规模相当。
申奥在《南京照相馆》开篇制造了“大场面”，也使用了特效，开拍之前经过严密彩排和规划，拍摄时一气呵成，这不仅没有浪费经费、耗费人力物力，而且体现了剧组的效率。
就整部电影而言，这样大场面比例并不高，却恰到好处把南京面临的紧张气氛表达出来，可谓把钱花在刀刃上。
也就是说抗战题材作品可以不那么“烧钱”去做，这也打破了常有的思路，更让投资方们看到了申奥的能力。
相比于大场面，镜头在照相馆里的调度更考验导演的水平。狭小空间叙事也是许多导演处理不好的地方。
照相馆里人物之间的对话、眼神如何表现，特写、中景如何布局，叙事节奏如何把握，都是一件很烧脑的事情。
很多导演会回避或者减少狭小空间里的镜头拍摄，也有一些导演为了省事，用大场面、用特效取而代之，于是就出现了千篇一律的战争作品。
《南京照相馆》里，申奥通过红色的光呈现出老金等人看到同胞遇难照片的悲恸、气愤。同时，红色的光又象征着血，隔着屏幕观众感受到侵略者的残暴，屏幕前满屏的红就像同胞的血，令人心碎、泪目。
3.日本兵的刻画
陆川《南京！南京！》为了体现自己的反战思想，把苦难焦点放在战争上，让个别日本兵也有了“良知”。
这不是个例。
但是，从很多资料显示，大部分、绝大部分日本兵没有悔过之意，或者说他们回避谈论这个话题。
比如导演是枝裕和在《拍电影时我在想的事》书里提到父亲只字不提在中国做了什么。
因此，申奥在《南京照相馆》里塑造了一个极具迷惑性的日本兵，伪善的面具撕下是最邪恶的嘴脸，这才是大多数。
